Repræsentation af køn og etnicitet på store museer

Et banebrydende studie publiceret i tidsskriftet PLoS One har afsløret en overraskende mangel på mangfoldighed i samlingerne på store amerikanske kunstmuseer. Undersøgelsen analyserede over 40.000 kunstværker på 18 fremtrædende museer og fandt, at 85 % af de fremhævede kunstnere er hvide, og 87 % er mænd.

Denne mangel på mangfoldighed har været en bekymring i årtier. I 1989 stillede det feministiske kollektiv Guerrilla Girls det berømte spørgsmål: “Skal kvinder være nøgne for at komme ind på Metropolitan Museum of Art?” Deres provokerende spørgsmål satte fokus på Metropolitan Museum of Arts mangel på kvindelig repræsentation.

Studiets metodologi

Den seneste undersøgelse, foretaget af Chad Topaz fra Williams College og hans kolleger, er den første storstilede undersøgelse af mangfoldigheden inden for kunst på kulturelle institutioner. De oprettede lister over cirka 10.000 kunstnere repræsenteret i de faste samlinger på museer som The Met, Art Institute of Chicago og National Gallery of Art.

For at fastslå kunstnernes køn og etnicitet rekrutterede forskerne arbejdere via Amazons Mechanical Turk crowdsourcing-platform. Hvert sæt navne gennemgik mindst fem runder med klassifikation, og svarene blev krydstjekket for at nå frem til en konsensus.

Resultater: Hvide mænd dominerer

Forskerne fandt, at hvide mænd dominerede udvalget og udgjorde svimlende 75,7 % af det endelige datasæt. Hvide kvinder lå efter med 10,8 %, efterfulgt af asiatiske mænd (7,5 %) og latinamerikanske mænd (2,6 %). Alle andre grupper, der var repræsenteret i form af både køn og etnicitet, blev registreret i andele på under 1 %.

Forskelligheder blandt museer

Selvom nogle museer klarede sig bedre end andre, var forskellene i repræsentation stadig betydelige. For eksempel udgør afroamerikanske kunstnere 10,6 % af kunstnerne i Atlanta High Museum of Arts samling sammenlignet med kun 1,2 % på tværs af alle de undersøgte museer. Los Angeles’ Museum of Contemporary Art kan bryste sig af en procentdel værker af latinamerikanske kunstnere, der er cirka tre gange højere end det nationale gennemsnit.

Andre museer skuffede dog. National Gallery of Art havde over 97 % kunstnere i sin samling, der var hvide, og 90 % var mænd. Museum of Modern Art i New York City, til trods for at det fokuserede på en periode i kunsthistorien med større mangfoldighed, havde kun 11 % kvindelige kunstnere i sin samling.

Studiets begrænsninger

Undersøgelsen har visse begrænsninger. Forfatterne inkluderede kun kunstnere, hvis identiteter kunne fastslås med næsten total sikkerhed, hvorved de udelod anonyme kunstnere fra tidligere århundreder, herunder dem, der sandsynligvis har været ikke-hvide.

Samlingsmål og mangfoldighed

Interessant nok fandt undersøgelsen kun en begrænset sammenhæng mellem et museums erklærede samlingsmål og dets niveau af overordnet mangfoldighed. Dette tyder på, at museer kan øge mangfoldigheden i deres samlinger uden at ændre deres fokus på specifikke tidsperioder og geografiske regioner.

Opfordring til handling

Mangel på mangfoldighed i kunstmuseernes samlinger er et vedvarende problem, der skal løses. Museer har et ansvar for at repræsentere mangfoldigheden i deres lokalsamfund og gøre kunst tilgængelig for alle.

Ved at øge repræsentationen af kvinder, ikke-hvide personer og andre underrepræsenterede grupper i deres samlinger kan museer skabe en mere inkluderende og retfærdig kunstverden for alle.

Arven fra “Objekter: USA” (1969)

I 1969 åbnede Smithsonian American Art Museum for udstillingen “Objekter: USA”, en banebrydende udstilling, der præsenterede den mangfoldige og dynamiske amerikanske Studio Craft-bevægelse. Udstillingen, der viste over 500 værker af etablerede og fremstormende kunstnere, fik stor indflydelse på kunstverdenen og langt ud over. Den introducerede bevægelsen for en ny generation af entusiaster, gav amerikanske kunstnere en platform til at udstille deres værker på en global scene og bidrog til at mangfoldiggøre kunstscenen, som indtil da havde været overvejende hvid og mandsdomineret.

Håndværkets renæssance i det 21. århundrede

I dag oplever vi en fornyet interesse for håndværk som kunstform. Den engang så klare forskel mellem kunst og håndværk er ved at blive udvisket, og keramik, fiberkunst og andre håndlavede genstande finder vej til store kunstgallerier og institutioner. Denne renæssance er delvist drevet af en stigende anerkendelse af de færdigheder og den kreativitet, der kræves inden for håndværk, samt et ønske om autenticitet og forbindelse i en stadig mere digital verden.

“Objekter: USA 2020” hos R & Company

I tråd med ånden i den oprindelige udstilling præsenterer R & Company “Objekter: USA 2020”, en moderne fortolkning af den banebrydende udstilling. Udstillingen, der løber fra nu og frem til juli 2021, viser 100 værker af 100 kunstnere, som repræsenterer både etablerede pionerer fra den oprindelige “Objekter: USA” og en ny generation af samtidige billedhuggere, træarbejdere, glaspustere og keramikere.

Brud med normen: Mangfoldighed og inklusion i moderne håndværk

“Objekter: USA 2020” er unik i sin forpligtelse på mangfoldighed og inklusion. Udstillingen viser et bredt spektrum af perspektiver, stilarter og medier og udfordrer den traditionelle hierarki af kunstformer. Ved at præsentere fremstormende kunstnere sammen med etablerede navne giver udstillingen en platform til nye stemmer og fremmer en mere inkluderende og retfærdig kunstverden.

Ebitenyefa Baralaye: En stjerne på vej frem inden for moderne keramik

Blandt de samtidige kunstnere, der præsenteres i “Objekter: USA 2020”, er Ebitenyefa Baralaye, en nigerianskfødt, Detroit-baseret keramiker, billedhugger og designer. Inspireret af de banebrydende kunstnere i den oprindelige “Objekter: USA”, især Toshiko Takaezu, skaber Baralaye elegante og tankevækkende værker, der udforsker temaer som identitet, arv og menneskets tilstand. Hans to værker i udstillingen, “Meiping” og “Slange I”, demonstrerer hans mestring af form og glasur og hans evne til at give sine værker en følelse af varme og fortrolighed.

Den vedvarende indflydelse fra “Objekter: USA”

Mere end 50 år efter sin debut fortsætter “Objekter: USA” med at påvirke og inspirere kunstnere og kuratorer. Udstillingskataloget, som indeholder biografier om de medvirkende kunstnere og deres værker, er stadig en vigtig reference for forskere og entusiaster. Gloria Kenyon, koordinator for offentlige programmer ved Smithsonian American Art Museum, tilskriver “Objekter: USA” æren for at have gjort håndværk tilgængeligt for offentligheden på en ny måde og for at have åbnet døren for flere forskellige stemmer i kunstverdenen.

Håndværkets styrke i den moderne kunstverden

I et nyligt essay hævder Glenn Adamson, en af kuratorerne for “Objekter: USA 2020”, at håndværk er afgørende for fremtiden for kunstverdenen. Han fremhæver dets potentiale til at fremme mangfoldighed, udfordre traditionelle hierarkier og give en tiltrængt forbindelse til det håndlavede i en stadig mere digital tidsalder. Ved at omfavne håndværk kan kunstverdenen berige sig selv og blive mere inklusiv og meningsfuld.

En opfordring til at støtte håndlavede genstande

Evan Snyderman, medstifter af R & Company, mener, at den nuværende bevægelse mod håndlavede genstande er et positivt tegn på fremtiden for kunst. Han opfordrer samlere og entusiaster til at støtte arbejdet hos samtidige håndværkere og til at anerkende de færdigheder og den kreativitet, der ligger til grund for deres kreationer. Ved at gøre det kan vi bidrage til at sikre den amerikanske Studio Craft-bevægelses fortsatte vitalitet og udvikling.