Die Fotografin Margaret Morton begab sich auf eine bemerkenswerte Reise, um die historischen Friedhöfe Kirgisistans zu dokumentieren, die als “Städte der Toten” bekannt sind. Diese rätselhaften Begräbnisstätten, verstreut über das abgelegene und bergige Gelände des Landes, haben Morton mit ihrer markanten Größe und ihrer einzigartigen Mischung aus kulturellen Einflüssen in ihren Bann gezogen.

Das Erbe der Vorfahren in der kirgisischen Landschaft

Die historischen Friedhöfe Kirgisistans zeugen vom reichen Nomaden-Erbe des Landes. Das kirgisische Volk, traditionell nomadische Viehzüchter, hat eine tiefe Verbundenheit mit seinem Land und einen tiefen Respekt vor seinen Vorfahren. Diese Verehrung spiegelt sich in den kunstvollen Grabbauten wider, die in den Städten der Toten zu finden sind.

Die Friedhöfe, oft auf Hügelkuppen gelegen oder in Tälern eingebettet, ähneln Miniaturstädten mit aufwändigen Mausoleen, jurtenförmigen Bauwerken und hoch aufragenden Monumenten. Sie sind mit Symbolen und Motiven geschmückt, die von der nomadischen Lebensweise des kirgisischen Volkes, ihrem islamischen Glauben und dem Einfluss der Sowjetära zeugen.

Kultureller Schmelztiegel in der Friedhofsarchitektur

Die Architektur der historischen Friedhöfe Kirgisistans ist eine faszinierende Mischung aus kulturellen Einflüssen. Islamische Symbole wie der Stern und der Halbmond schmücken viele Bauwerke neben Bildern aus der Sowjetzeit, darunter Hammer und Sichel. Diese Gegenüberstellung spiegelt die komplexe Geschichte des Landes und die Koexistenz verschiedener kultureller Traditionen wider.

Die kirgisische Jurte, eine tragbare, runde Hütte, ist ein markantes Merkmal auf vielen Friedhöfen. Metalljurten, die während der Sowjetzeit eingeführt wurden, stehen jetzt neben traditionellen Lehm- und Holzkonstruktionen. Diese Jurten dienen als symbolische Häuser für die Verstorbenen und repräsentieren die nomadische Lebensweise und die Verbindung des kirgisischen Volkes zu seinen Vorfahren.

Harmonie mit der Umwelt und der Kreislauf des Lebens

Die historischen Friedhöfe Kirgisistans sind nicht nur architektonische Wunder, sondern auch ein integraler Bestandteil der natürlichen Umwelt des Landes. Die Bauwerke sind aus lokalen Materialien errichtet und so konzipiert, dass sie sich nahtlos in die umgebende Landschaft einfügen. Sie erheben sich aus dem öden Gelände und spiegeln die Formen der Berge und Hügel wider, die sie umgeben.

Im Laufe der Zeit werden die Friedhöfe selbst Teil der Landschaft. Monumente zerfallen und kehren zur Erde zurück, was den Kreislauf von Leben und Tod symbolisiert. Das kirgisische Volk bewahrt die Friedhöfe nicht aktiv, da es davon überzeugt ist, dass es angemessen ist, dass sie wieder in die Natur zurückkehren.

Margaret Mortons fotografische Reise

Margaret Mortons Fotografien fangen die Schönheit und kulturelle Bedeutung der Städte der Toten in Kirgisistan ein. Ihre Schwarz-Weiß-Bilder betonen die architektonischen Details und das Zusammenspiel zwischen den Bauwerken und der Landschaft. Mortons Arbeit hat diesen einzigartigen Begräbnisstätten internationale Aufmerksamkeit verschafft und ihren künstlerischen und historischen Wert hervorgehoben.

Bewahrung eines kulturellen Erbes

Auch wenn das kirgisische Volk die historischen Friedhöfe nicht aktiv bewahrt, gibt es Bemühungen, ihr Vermächtnis zu dokumentieren und zu schützen. Wissenschaftler und Kulturorganisationen arbeiten daran, die architektonische und kulturelle Bedeutung der Friedhöfe aufzuzeichnen.

Auch die kirgisische Regierung hat die Bedeutung der Erhaltung dieser einzigartigen Stätten erkannt und einige von ihnen zu Schutzgebieten erklärt. Indem wir die Städte der Toten dokumentieren und bewahren, können wir sicherstellen, dass künftige Generationen dieses außergewöhnliche kulturelle Erbe würdigen und daraus lernen können.

Doris Dukes Leidenschaft für islamische Kunst

Doris Duke, die Erbin des Vermögens der American Tobacco Company, entwickelte während ihrer Flitterwochen 1935 eine tiefe Leidenschaft für islamische Kunst. Inspiriert von der kunstvollen Architektur und den anmutigen Designs des Taj Mahal begab sie sich auf eine lebenslange Suche, um islamische Kunst aus der ganzen Welt zu sammeln.

Die Entstehung von Shangri La

1938 erwarb Duke ein Grundstück in Honolulu, Hawaii, und verwandelte es in ihr Traumhaus, das sie nach dem fiktiven Paradies in dem Roman “Der verlorene Horizont” Shangri La nannte. Sie stellte sich ein Haus vor, das ihre wachsende Sammlung islamischer Kunst präsentieren und ihren vielseitigen Geschmack widerspiegeln würde.

Die Sammlung islamischer Kunst

In den folgenden sechs Jahrzehnten trug Duke eine riesige Sammlung islamischer Kunst zusammen, die Jahrhunderte und Regionen umfasst. Ihre Sammlung umfasst Keramik, Textilien, geschnitztes Holz und Stein, architektonische Details aus Metall und Gemälde. Die ältesten Stücke stammen aus dem 7. Jahrhundert, während die meisten aus dem 17. bis 19. Jahrhundert stammen.

Höhepunkte der Sammlung

Eines der wertvollsten Stücke in Dukes Sammlung ist ein großer, exquisit gearbeiteter Mihrab oder Gebetsnische aus einem bekannten Grab in Veramin, Iran. Der Mihrab, der aus dem Jahr 1265 stammt, besteht aus Lüsterfliesen und ist von einem Mitglied der Familie Abu Tahir signiert und datiert, den berühmten Töpfern aus Kashan.

Ein weiterer Höhepunkt ist der türkische Raum, den Duke aus Teilen des Inneren eines Damaszener Herrenhauses aus dem 19. Jahrhundert schuf. Der Raum ist ein Zeugnis von Dukes Liebe zur Opulenz mit seinen geschnitzten, gepolsterten, verspiegelten, eingelegten und vergoldeten Oberflächen.

Die architektonischen Einflüsse

Dukes Leidenschaft für islamische Kunst ging über das Sammeln hinaus und beeinflusste auch den Entwurf von Shangri La selbst. Sie integrierte Elemente islamischer Architektur und Design in das gesamte Haus, darunter:

• Ein niedriges und weitläufiges Äußeres, inspiriert von Häusern im Nahen Osten.
• Ein Innenhof mit Gehwegen, die sich in einem asymmetrischen Muster ausbreiten.
• Eine Mischung aus spanischen, maurischen, persischen und indischen Motiven in der Inneneinrichtung.
• Aufwendige Fliesenarbeiten und geometrische Abstraktionen, die Wände und Decken schmücken.

Dukes persönliche Note

Während Shangri La ein Spiegelbild von Dukes Liebe zur islamischen Kunst war, war es auch ein zutiefst persönlicher Raum. Duke passte viele der Artefakte ihrem eigenen Geschmack und Lebensstil an. So ließ sie beispielsweise die geschnitzten Holzjalis oder -schirme in ihrem indischen Schlafzimmer mit Schlössern ausstatten, um sowohl Sicherheit als auch Luftzirkulation zu gewährleisten.

Das Vermächtnis von Shangri La

Doris Duke hinterließ durch ihre Leidenschaft für islamische Kunst ein nachhaltiges Vermächtnis. Shangri La, das 2002 als Museum eröffnet wurde, zeigt ihre außergewöhnliche Sammlung und gibt einen Einblick in ihre einzigartige und exzentrische Persönlichkeit. Das Museum ist zu einem beliebten Ziel für alle geworden, die sich für islamische Kunst und Kultur interessieren, sowie für diejenigen, die sich vom Leben und Stil einer außergewöhnlichen Frau inspirieren lassen möchten.

Der Aufstieg der Agojie

Im 19. Jahrhundert verfügte das westafrikanische Königreich Dahomey über eine außergewöhnliche Streitmacht, die als Agojie bekannt war. Diese Kriegerinnen, die aufgrund ihrer Ähnlichkeit mit den mythischen Kriegerinnen Griechenlands von europäischen Besuchern oft als “Amazonen” bezeichnet wurden, spielten eine entscheidende Rolle für die militärische Dominanz und politische Stabilität des Königreichs.

Die Ursprünge der Agojie liegen im Dunkeln, aber es wird vermutet, dass sie sich aus einem Korps von Elefantenjägern entwickelt haben, das im 17. Jahrhundert von König Huegbadja aufgestellt wurde. Als die Kriege Dahomeys zunahmen, wurden Frauen zunehmend dazu aufgerufen, die Männer auf dem Schlachtfeld zu ersetzen, und die Agojie wuchs allmählich an Größe und Bedeutung.

Ausbildung und Disziplin

Um eine Agojie zu werden, durchliefen die Rekrutinnen eine strenge Ausbildung, die ihre körperlichen und geistigen Grenzen auf die Probe stellte. Sie übten Scheinkämpfe, erklommen hohe Mauern aus Akazienholz und verfeinerten ihre Schwertkunst und ihr Treffsicherheit. Die Agojie waren für ihre unerschütterliche Disziplin und ihre Loyalität zum König bekannt.

Taktiken auf dem Schlachtfeld

Die Haupttaktik der Agojie bestand darin, im Morgengrauen Überraschungsangriffe zu starten, Gefangene zu nehmen und diejenigen zu enthaupten, die Widerstand leisteten. Sie waren bekannt für ihre Heimlichkeit, Beweglichkeit und Wildheit im Kampf. Zu ihren Waffen gehörten Steinschlossmusketen, Musketen, Rasierklingen sowie Bögen und Pfeile.

Sozialer Status und kulturelle Bedeutung

Alle Kriegerinnen Dahomeys galten als “Ahosi” oder Ehefrauen des Königs. Sie lebten im königlichen Palast und genossen innerhalb der Gesellschaft einen privilegierten Status. Sie unterlagen jedoch auch strengen Regeln und Einschränkungen, darunter Keuschheit und Gehorsam gegenüber dem König.

Die Agojie spielten eine bedeutende Rolle im religiösen und kulturellen Leben Dahomeys. Sie nahmen an königlichen Zeremonien und Ritualen teil, und ihr Mut und ihre Stärke wurden in Liedern und Geschichten gefeiert.

Sklavenhandel und europäischer Kolonialismus

Die Beteiligung Dahomeys am transatlantischen Sklavenhandel spielte eine komplexe und kontroverse Rolle in der Geschichte der Agojie. Während einige Agojie-Kriegerinnen an Sklavenüberfällen teilnahmen, lehnten andere diese Praxis ab. Als europäische Mächte begannen, Afrika zu kolonisieren, eskalierten die Spannungen zwischen Dahomey und Frankreich. Die Agojie kämpften während der französisch-dahomeischen Kriege tapfer gegen die Franzosen, wurden aber 1892 schließlich besiegt.

Vermächtnis und Einfluss

Das Vermächtnis der Agojie inspiriert und befähigt Frauen auf der ganzen Welt bis heute. Ihre Geschichte wurde in Literatur, Film und Populärkultur verewigt. Der 2022 erschienene Film “The Woman King” mit Viola Davis in der Hauptrolle ist eine fiktive Darstellung des Kampfes der Agojie gegen den europäischen Kolonialismus.

Das Vermächtnis der Agojie dient auch als Mahnung an die wichtige Rolle, die Frauen im Laufe der Geschichte bei der Verteidigung ihrer Gemeinschaften und der Gestaltung des Laufes der Dinge gespielt haben. Ihr Mut, ihre Entschlossenheit und ihre Widerstandsfähigkeit inspirieren und fordern weiterhin Stereotypen über die Stärkung von Frauen und die Fähigkeiten von Frauen in der Gesellschaft heraus.

Einfluss auf den Soundtrack des 20. Jahrhunderts

Von den gefühlvollen Balladen der Country-Musik bis zu den elektrisierenden Powerchords des Rock haben Musiker der amerikanischen Ureinwohner einen unauslöschlichen Eindruck im Wandteppich der amerikanischen Musik hinterlassen. Ihre einzigartigen Rhythmen und Perspektiven haben Genres geprägt, unzählige Künstler inspiriert und finden bis heute beim Publikum Anklang.

Gemeinsamer rhythmischer Faden

Laut dem Apache-Gitarristen Stevie Salas teilen Musiker der amerikanischen Ureinwohner oft einen unverwechselbaren rhythmischen Faden, der ihre Musik durchdringt, unabhängig vom Genre. Diese Gemeinsamkeit hat es ihnen ermöglicht, sich nahtlos in verschiedene Musikstile einzufügen, von Pop und Rock bis hin zu R&B und Country.

Beiträge zur Populärkultur

Musiker der amerikanischen Ureinwohner haben eine entscheidende Rolle bei der Gestaltung der Populärkultur gespielt. Jesse Ed Davis, ein renommierter Session-Gitarrist, unterstützte legendäre Künstler wie Eric Clapton, Rod Stewart und Jackson Browne. Link Wray, ein Shawnee-Gitarrist, erfand den hallenden Powerchord, einen prägenden Sound für Bands wie Led Zeppelin und The Who.

Indigene Wurzeln in der zeitgenössischen Musik

Während einige Musiker der amerikanischen Ureinwohner ohne Bekanntmachung ihres Erbes Berühmtheit erlangt haben, haben andere Inspiration in ihren indigenen Wurzeln gefunden. Pete Seeger, ein Folksänger mit Narragansett-Abstammung, komponierte Lieder, die die gegenwärtigen Kämpfe der amerikanischen Ureinwohner thematisierten. Buffy Sainte-Marie, eine Cree-Singer-Songwriterin, gewann einen Academy Award für ihren Song “Up Where We Belong”, der ihr Engagement für die Bildung und soziale Gerechtigkeit der amerikanischen Ureinwohner widerspiegelt.

Der Einfluss indigener Perspektiven

Die Beiträge von Musikern der amerikanischen Ureinwohner gehen über ihre technischen Fähigkeiten hinaus. Sie haben der populären Musik einzigartige kulturelle Perspektiven eingebracht und ihre Themen und Botschaften bereichert. Johnny Cash, ein nicht-indianischer Künstler, nahm ein Album mit Protestballaden der amerikanischen Ureinwohner auf, um auf die Notlage der indigenen Völker aufmerksam zu machen.

Globaler Erfolg und Inspiration

Trotz Herausforderungen und Stereotypen haben Musiker der amerikanischen Ureinwohner weltweiten Erfolg erzielt. Stevie Salas hat mit verschiedenen Künstlern wie Justin Timberlake, Rod Stewart und George Clinton zusammengearbeitet. Er betont die Bedeutung von Vielseitigkeit und der Annahme des eigenen Erbes bei der Verfolgung einer globalen Karriere.

Rhythmus, Kultur und globaler Einfluss

Der gemeinsame rhythmische Faden, der sich durch die Musik der amerikanischen Ureinwohner zieht, spiegelt nicht nur ihre gemeinsamen Erfahrungen wider, sondern auch ihre tiefe Verbundenheit mit ihrer Kultur. Dieser Rhythmus hat den Sound der populären Musik weltweit beeinflusst und zeigt das bleibende Erbe der Musiker der amerikanischen Ureinwohner.

Inspiration für zukünftige Generationen

Salas hofft, dass die Ausstellung “Up Where We Belong” im National Museum of the American Indian eine neue Generation von Musikern der amerikanischen Ureinwohner dazu inspirieren wird, ihr Erbe anzunehmen und ihre Träume zu verfolgen. Er ermutigt junge Künstler, Hindernisse zu überwinden und ihren eigenen einzigartigen Weg zum globalen Erfolg zu finden.