Geschlechter- und ethnische Repräsentation in großen Museen

Eine bahnbrechende Studie, die in der Zeitschrift PLoS One veröffentlicht wurde, hat einen überraschenden Mangel an Diversität in den Sammlungen großer US-amerikanischer Kunstmuseen aufgedeckt. Die Studie analysierte mehr als 40.000 Kunstwerke in 18 bedeutenden Museen und fand heraus, dass 85 % der vorgestellten Künstler weiß und 87 % männlich sind.

Dieser Mangel an Diversität ist seit Jahrzehnten ein Problem. Im Jahr 1989 stellte das feministische Kollektiv Guerrilla Girls die berühmte Frage: “Müssen Frauen nackt sein, um ins Met. Museum zu kommen?” Ihre provokante Frage hob den Mangel an weiblicher Repräsentation im Metropolitan Museum of Art hervor.

Methodik der Studie

Die aktuelle Studie von Chad Topaz vom Williams College und seinen Kollegen ist die erste groß angelegte Untersuchung zur künstlerischen Diversität kultureller Einrichtungen. Sie erstellten Listen mit etwa 10.000 Künstlern, die in den ständigen Sammlungen von Museen wie dem Met, dem Art Institute of Chicago und der National Gallery of Art vertreten sind.

Um das Geschlecht und die ethnische Zugehörigkeit der Künstler zu ermitteln, rekrutierten die Forscher Mitarbeiter über die Crowdsourcing-Plattform Mechanical Turk von Amazon. Jeder Satz von Namen durchlief mindestens fünf Klassifizierungsrunden, und die Antworten wurden abgeglichen, um einen Konsens zu erzielen.

Ergebnisse: Weiße Männer dominieren

Die Forscher fanden heraus, dass weiße Männer die Stichprobe dominierten und satte 75,7 % des endgültigen Datenpools ausmachten. Weiße Frauen folgten mit 10,8 %, gefolgt von asiatischen Männern (7,5 %) und hispanischen Männern (2,6 %). Alle anderen Gruppen, die sowohl in Bezug auf Geschlecht als auch auf ethnische Zugehörigkeit vertreten waren, wurden in Anteilen von weniger als 1 % erfasst.

Unterschiede zwischen Museen

Während einige Museen besser abschnitten als andere, waren die Unterschiede in der Repräsentation immer noch erheblich. Beispielsweise machen afroamerikanische Künstler 10,6 % der Künstler in der Sammlung des High Museum of Art in Atlanta aus, verglichen mit nur 1,2 % in allen untersuchten Museen. Das Museum of Contemporary Art in Los Angeles weist einen prozentualen Anteil an Werken hispanischer Künstler auf, der etwa dreimal so hoch ist wie der nationale Durchschnitt.

Andere Museen blieben jedoch zurück. Die National Gallery of Art hatte mehr als 97 % weiße Künstler in ihrer Sammlung, und 90 % waren männlich. Das Museum of Modern Art in New York City hatte trotz der Konzentration auf eine Periode in der Kunstgeschichte mit größerer Vielfalt nur 11 % weibliche Künstler in seiner Sammlung.

Einschränkungen der Studie

Die Studie hat einige Einschränkungen. Die Autoren schlossen nur Künstler ein, deren Identität mit ziemlicher Sicherheit festgestellt werden konnte, und ließen anonyme Kreative aus vergangenen Jahrhunderten aus, darunter solche, die wahrscheinlich People of Color waren.

Sammlungsziele und Vielfalt

Interessanterweise fand die Studie kaum eine Korrelation zwischen den erklärten Sammlungszielen eines Museums und seinem Grad an allgemeiner Vielfalt. Dies deutet darauf hin, dass Museen die Vielfalt in ihren Sammlungen erhöhen können, ohne ihren Fokus auf bestimmte Zeiträume und geografische Regionen zu ändern.

Aufruf zum Handeln

Der Mangel an Vielfalt in Kunstmuseumssammlungen ist ein anhaltendes Problem, das angegangen werden muss. Museen haben die Verantwortung, die Vielfalt ihrer Gemeinschaften zu repräsentieren und Kunst für alle zugänglich zu machen.

Indem sie die Repräsentation von Frauen, People of Color und anderen unterrepräsentierten Gruppen in ihren Sammlungen erhöhen, können Museen eine inklusivere und gerechtere Kunstwelt für alle schaffen.

Das Erbe von „Objekte: USA“ (1969)

1969 eröffnete das Smithsonian American Art Museum „Objekte: USA“, eine bahnbrechende Ausstellung, die die vielfältige und lebendige amerikanische Studio Craft-Bewegung präsentierte. Die Ausstellung, die über 500 Werke etablierter und aufstrebender Künstler zeigte, hatte einen tiefgreifenden Einfluss auf die Kunstwelt und darüber hinaus. Sie machte eine neue Generation von Kunstinteressierten mit der Bewegung bekannt, bot amerikanischen Künstlern eine Plattform, um ihre Werke auf einer globalen Bühne zu zeigen, und trug dazu bei, die Kunstszene zu diversifizieren, die bis dahin überwiegend weiß und männlich gewesen war.

Die Wiederbelebung von Kunsthandwerk im 21. Jahrhundert

Heute erleben wir eine Renaissance des Interesses an Kunsthandwerk als Kunstform. Die einst klare Unterscheidung zwischen Kunst und Kunsthandwerk verschwimmt, da Keramik, Textilkunst und andere handgefertigte Objekte Einzug in bedeutende Kunstgalerien und Institutionen halten. Diese Renaissance wird zum Teil durch eine wachsende Wertschätzung für die in Kunsthandwerk steckenden Fähigkeiten und Kreativität sowie durch den Wunsch nach Authentizität und Verbundenheit in einer zunehmend digitalen Welt angetrieben.

„Objekte: USA 2020“ bei R & Company

Im Einklang mit dem Geist der ursprünglichen Ausstellung präsentiert R & Company „Objekte: USA 2020“, eine zeitgenössische Neuinterpretation der bahnbrechenden Schau. Die Ausstellung, die von jetzt bis Juli 2021 zu sehen ist, zeigt 100 Werke von 100 Künstlern, darunter sowohl etablierte Pioniere des ursprünglichen „Objekte: USA“ als auch eine neue Generation zeitgenössischer Bildhauer, Holzkünstler, Glasmacher und Keramiker.

Den Rahmen sprengen: Vielfalt und Inklusion im zeitgenössischen Kunsthandwerk

„Objekte: USA 2020“ zeichnet sich durch sein Engagement für Vielfalt und Inklusion aus. Die Ausstellung zeigt eine breite Palette von Perspektiven, Stilen und Medien und stellt die traditionelle Hierarchie der Kunstformen infrage. Indem sie aufstrebende Künstler neben etablierten Namen präsentiert, bietet die Ausstellung neuen Stimmen eine Plattform und fördert eine integrativere und gerechtere Kunstwelt.

Ebitenyefa Baralaye: Ein aufstrebender Stern der zeitgenössischen Keramik

Zu den zeitgenössischen Künstlern, die in „Objekte: USA 2020“ vertreten sind, gehört Ebitenyefa Baralaye, ein in Nigeria geborener, in Detroit lebender Keramiker, Bildhauer und Designer. Inspiriert von den bahnbrechenden Künstlern des ursprünglichen „Objekte: USA“, insbesondere von Toshiko Takaezu, schafft Baralaye elegante und eindrucksvolle Werke, die Themen wie Identität, Erbe und den menschlichen Zustand erforschen. Seine beiden in der Ausstellung gezeigten Arbeiten, „Meiping“ und „Serpent I“, zeigen seine meisterhafte Beherrschung von Form und Glasur sowie seine Fähigkeit, seinen Werken ein Gefühl von Wärme und Vertrautheit zu verleihen.

Die nachhaltige Wirkung von „Objekte: USA“

Über 50 Jahre nach ihrem Debüt beeinflusst und inspiriert „Objekte: USA“ weiterhin Künstler und Kuratoren gleichermaßen. Der Katalog der Ausstellung, der Biografien der vorgestellten Künstler und ihrer Werke enthält, ist nach wie vor ein unverzichtbares Nachschlagewerk für Wissenschaftler und Kunstinteressierte. Gloria Kenyon, leitende Koordinatorin für öffentliche Programme am Smithsonian American Art Museum, schreibt „Objekte: USA“ zu, Kunsthandwerk der Öffentlichkeit auf eine neue Weise zugänglich gemacht und die Tür für vielfältigere Stimmen in der Kunstwelt geöffnet zu haben.

Die Kraft des Kunsthandwerks in der modernen Kunstwelt

In einem aktuellen Essay argumentiert Glenn Adamson, einer der Kuratoren von „Objekte: USA 2020“, dass Kunsthandwerk für die Zukunft der Kunstwelt unerlässlich sei. Er betont sein Potenzial, Vielfalt zu fördern, traditionelle Hierarchien in Frage zu stellen und eine dringend benötigte Verbindung zur Handarbeit in einem zunehmend digitalen Zeitalter herzustellen. Indem sie Kunsthandwerk annimmt, kann sich die Kunstwelt bereichern und integrativer und bedeutungsvoller werden.

Ein Aufruf zur Unterstützung handgefertigter Objekte

Evan Snyderman, Mitbegründer von R & Company, glaubt, dass die aktuelle Bewegung hin zu handgefertigten Objekten ein positives Zeichen für die Zukunft der Kunst ist. Er ermutigt Sammler und Kunstinteressierte, die Arbeit zeitgenössischer Kunsthandwerker zu unterstützen und die Fähigkeiten und Kreativität zu schätzen, die in ihre Kreationen einfließen. Auf diese Weise können wir dazu beitragen, die anhaltende Vitalität und Entwicklung der amerikanischen Studio Craft-Bewegung zu gewährleisten.